Tarja preta sobre o azul: não se trata de um hai-kai, mas de um alerta.

Uma bizarra discussão vem agitando os bastidores do mercado de cinema. Tudo começou com uma nota oficial da empresa Imovision detentora dos direitos do filme “Azul é a Cor Mais Quente”.
“...procuramos a empresa brasileira Sonopress, para replicar esse título em Blu-ray, mas ela se recusou e ainda alegou que nenhuma outra empresa faria o serviço. Contatamos então a SONY DADC, que também se recusou a produzir o Blu-ray do filme, devido às cenas de sexo. Portanto, o filme, vencedor do Festival de Cannes, poderá ser reproduzido apenas em DVD”. Segundo o presidente da distribuidora Imovision, “Não é um filme pornô. Na França o filme recebeu classificação indicativa de 12 anos”. De fato, não existe oficialmente no Brasil filme pornô em Blu Ray. O jornalista Allyson Oliveira informa que a Sony não permite que as replicadoras fabriquem filmes pornôs. Se fabricarem, perdem a licença. Por isso, ele conclui que a Imovision não esteja tentando criar um factoide para promover o filme. É possível que as replicadoras, vendo trechos do filme e sem informações completas possam ter tachado o filme de pornô. Mas alguns comentaristas acreditam que por trás disso haja um problema relativo á negociação de preço. A maioria considera que se trata apenas de uma decisão comercial, não de homofobia, censura ou intolerância, como pode parecer pela leitura da nota oficial. Se as cenas de sexo fossem entre homem e mulher, o filme seria vetado do mesmo jeito. 

Foi-se mais um ícone da cultura popular brasileira: Virginia Lane

Quase ninguém comentou, mas no dia 10 de fevereiro se foi Virginia Lane, apelidada de "a vedete do Brasil", estrela absoluta do teatro de revista e das chanchadas. Durante 15 anos, ela foi amante de Getúlio Vargas e, dois anos antes de falecer, com 93 anos, declarou que estava na cama com o presidente Vargas na noite em que ele morreu, segundo ela assassinado e não por meio de suicídio, como ficou registrado na história. Em função disso, o jornalista Élio Gaspari criou a expressão "síndrome de Virginia Lane", para se referir às hipóteses de assassinatos de presidentes. Mas o motivo pelo qual ela talvez preferisse ser lembrada era a sua participação contínua, entre os anos de 1940 e 1960, em dois fenômenos culturais de grande ressonância popular naquele período. Falo do teatro de revista, que valia como a única tribuna à disposição de músicos e comediantes para se comunicar com o público das grandes cidades, antes das "chanchadas". Assim eram rotulados os filmes cômicos e musicais daquela época, até pouco tempo estigmatizados como artisticamente inferiores pelos críticos e comentaristas e que, agora, vem merecendo uma necessária releitura por parte de historiadores e especialistas. Para ilustrar esse comentário escolhi o seu maior sucesso do rádio e do disco que foi "Sassaricando", tal como foi filmado pelo grande Moacyr Fenelon em "Tudo Azul" (1950), um dos filmes nacionais mais importantes daquele tempo.

Com "Balada de um Homem Comum", os Coen ganham o Grande Prêmio do Juri em Cannes

Os irmãos Coen formam uma já tradicional dupla de cineastas que escrevem e dirigem filmes em parceria e podem ser vistos como cronistas de seu tempo. Digo do tempo atual e dos tempos em que eles viveram, sempre com um agudo e refinado senso de observação. Os quatro Oscars por eles conquistados ao longo de uma carreira iniciada nos anos de 1980 nem chegam a fazer justiça à incomum capacidade literária, humorística e dramática com que eles detectam os pontos nevrálgicos de qualquer situação. Entre seus temas favoritos, salientam-se a vida íntima de criminosos e policiais – como em “Fargo” (1996) – e os meandros da cultura judaica – como em “Um Homem Sério” (2010). 

Desta vez, em “Inside Llewyn Davis – Balada de um Homem Comum”, eles focalizam a música popular americana na década de 1960, especificamente a onda das canções folk sofisticadas que estava se formando no Greenwich Village em Nova York, da qual Joan Baez e Pete Seeger faziam parte. Inspirados em um cantor e compositor de verdade, que chegou a fazer algum sucesso um pouco antes de Bob Dylan chamado Dave Van Ronk (1936 – 2002), eles criam a figura patética de Llewyn Davis: um jovem artista que apesar de talentoso e sensível se acha fascinado pelo fracasso.

No elenco, as participações sempre irretocáveis de Carey Mulligan, Murray Abraham e John Goodman, contracenando com o dublê de músico e ator coadjuvante Oscar Isaac, no papel central. Carregando junto com o violão toda a amargura daquela época, o personagem faz de si mesmo o seu principal antagonista. Como uma deferência aos cinéfilos, o roteiro elabora uma acrobacia de linguagem que só acontece na última cena e que, por isso, não podemos revelar.

INSIDE LLEWYN DAVIS 

– BALADA DE UM HOMEM COMUM 

(Inside Llewyn Davis)

EUA, 2013, 104 min, 12 anos

estreia 2102 2014

gênero comédia/ historia

Distribuição Paris filmes

Direção Ethan Coen, Joel Coen

Com Oscar Isaac, Carey Mulligan,
Murray Abraham e John Goodman

COTAÇÃO

* * * *

Ó T I M O

"Ela" é o título da obra do ex-alternativo Spike Jonze, que concorre a cinco Oscars

A personagem do título não tem nome. Não passa de um pronome, que é feminino somente porque assim escolheu o protagonista do filme e proprietário do computador, ao nele instalar um sistema operacional de última geração, que obedece a comandos de voz. O diretor Spike Jonze (“Onde Vivem os Monstros”, 2009) situou esta trama em Los Angeles num futuro próximo e plausível, no qual a tecnologia da informação permitiria que o programa possuísse não apenas uma voz igual à de Scarlett Johansson (“O grande Truque”, 2006), mas também a alma de uma mulher. 

Em “Ruby Sparks: a namorada perfeita” (2012) o escritor Paul Dano se apaixonava por uma personagem que ele criou. Em “A Garota Ideal” (2009) o solteirão Ryan Gosling se casava com uma boneca inflável. Em “A Mulher Invisível” (2009), somente Selton Mello enxergava a namorada que ele mesmo tinha inventado. Em “Ela”, porém, Joaquin Phoenix (“O Mestre”, 2012) vive um caso de amor de verdade, com uma inteligência artificial e chega até a fazer sexo com ela.

A temática do filme, ou melhor, um dos assuntos que ela aborda é o do crescente isolamento a que os indivíduos vêm se acostumando. Por sua vez, a inteligência cinematográfica de Spike Jonze o leva a parodiar os filmes de ficção científica e aproveitar as oportunidades cômicas que essa melancólica parábola da solidão humana oferece – como o videogame interferindo nas conversas com o arquétipo feminino preso no computador.

Como vemos, a sofisticação que marca a comicidade de Spike Jonze não é para qualquer espectador. Por exemplo, o personagem de Joaquin Phoenix sente ciúmes da amada, encantada com outro sistema operacional que assumira a personalidade do filósofo Alan Watts – um dos divulgadores do budismo no ocidente e que, nos anos de 1960, pregava a “expansão da consciência” – justamente o oposto do que vem fazendo o namorado. 

ELA 

Her 

EUA, 2013, 126 min, 14 anos

estreia 14 02 2014  

gênero comédia/ fantasia

Direção Spike Jonze

Distribuição Sony Pictures

Com Joaquin Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams

COTAÇÃO

* * * *

Ó T I M O

"Trapaça" de David O. Russell é um ponto alto da comédia americana no cinema.

Em “Trapaça”, o diretor e roteirista David O. Russell comprovou o seu prestígio com um dos grandes nomes da comédia no cinema americano. Há pouco tempo vimos o drama “O Vencedor” (2010), que rendeu Oscars para Christian Bale e para Melissa Leo. Depois disso, ele lançou a surpreendente comédia “O Lado Bom da Vida” (2012), que trouxe um Oscar para Jennifer Lawrence. Recomendamos, no entanto, que se recorra a uma locadora de DVDs para ver um de seus melhores e mais ousados trabalho recentes e que, apesar disso, não foi lançado nos cinemas. Trata-se de “Huckabees: A Vida é Uma Comédia” (2004) com um elenco superestrelado incluindo Dustin Hoffman, Lili Tomlin, Jude Law, Naomi Watts e Isabelle Huppert. 

Desta vez, em “Trapaça”, ele elege como tema o escândalo conhecido como Abscam, ocorrido o final da década de 1970, em que um policial disfarçado de sheik árabe oferecia suborno a um grupo de políticos, com a ajuda de um vigarista condenado e constrangido a colaborar com o FBI. Esse escroque é o papel de Christian Bale que, aliás, Robert de Niro não reconheceu ao vê-lo entrar no set de filmagem, com uma peruca ridícula e quase 20 quilos acima do peso. 

Ele que tinha emagrecido mais de 30 para “O Vencedor”, contraiu uma hérnia de disco graças a esse efeito sanfona. O esforço, porém, valeu para enriquecer a sua caracterização e enfatizar a química com a parceira de golpes e malandragens, interpretada com maestria por Amy Adams (“Encantada”, 2007) e com a própria esposa, numa esfuziante interpretação de Jennifer Lawrence (“Jogos Vorazes”, 2012).

Esse trio sustenta com galhardia toda a comicidade e o colorido dos diálogos e das peripécias em que a dupla se envolve. Por sua vez, Jeremy Renner (“Guerra ao Terror”, 2008) faz um daqueles vários políticos grampeados na época por corrupção, inspirando-se na figura real de um prefeito de New Jersey que foi para a cadeia e morreu no ano passado, portanto, poucos meses antes do lançamento de “Trapaça”. Na esteira de uma temática que era a predileta do célebre Orson Welles (“Verdades e Mentiras”, 1973) sempre fascinado por falsários, imitadores e ilusionistas, o filme gira em torno das ideias de ilusão e falsidade. 

O casal de protagonistas, aliás, também vendia quadros falsos, obedecendo à máxima de que “as pessoas enxergam nas coisas aquilo que elas querem ver”. E para Russel talvez seja esse o dado essencial para explicar o encantamento produzido pelas obras de arte. Para demonstrar o quanto o diretor David Russel é detalhista, esses personagens são fanáticos por um álbum de jazz chamado “Duke Ellington Live at Newport”, que é um falso disco ao vivo. Na verdade, esse LP foi gravado num festival, mas Ellington não aprovou a qualidade do resultado e regravou a maioria das faixas em estúdio. Era, portanto um artista falsificando a sua própria obra, para vendê-la aos seus milhares de fãs, que nunca deixaram de admirá-lo por causa disso. Ou seja, um caso de refinada enganação em massa, que Orson Welles adoraria filmar.

TRAPAÇA 

American Hustle 

EUA, 2013, 138 min, 14 anos,

estreia 05 02 2014

gênero comédia/ policial/ história

Distribuição Sony Pictures

Direção David O. Russell

Com Christian Bale, Bradley Cooper, Amy Adams, Jeremy Renner

COTAÇÃO

* * * *

Ó T I M O

O título de "Quando eu Era Vivo" levanta a questão: qual seria o sujeito dessa frase?

Falando de “Quando eu Era Vivo”, não fosse a atuação correta do veterano Antonio Fagundes, junto com a beleza de Sandy, o cinema brasileiro poderia pedir emprestado esse título para fazer dele o seu mote atual. De fato, houve época em que os filmes nacionais tinham vitalidade, principalmente porque eram produzidos com dinheiro do próprio produtor, que neles apostava o patrimônio particular. Não eram natimortos como muitos dos recentes que, antes mesmo de estrear, já estão pagos com dinheiro público dos incentivos fiscais. Nem precisam mais de bilheteria, como era regra no tempo de Oscarito e Grande Otelo. Este “Quando eu Era Vivo” é dirigido com empenho por Marco Dutra, cujo trabalho de roteirista em “Meu País” (de Andre Ristum, 2011) chamou atenção pela profundidade psicológica e social. Já “Trabalhar Cansa” (2011) que ele co-dirigiu com Juliana Rojas foi recebido com palmas por alguns críticos (a maioria deles) e bocejos por outros (comigo nesse grupo). A partir de um livro de Lourenço Mutarelli, "A Arte de Produzir Efeito Sem Causa", o roteiro elabora uma letárgica experiência no gênero de horror protagonizada por Marat Descartes, no papel de um homem maduro que, ao se separar da esposa volta a morar com o pai. A narrativa é minimalista, contrastando uma trovejante trilha sonora que espanta o sono. Leva uma hora de conversas banais, vômitos e ataques epiléticos para enunciar o tema, ou seja, a casa é assombrada pelo espírito da mãe morta. Original, não?

QUANDO EU ERA VIVO

Brasil, 2013, 108 min, 12 anos

estreia 31 01 2014

gênero horror 

Distribuição Vitrine Filmes

Direção  Marco Dutra 

Com Marat Descartes, Antonio Fagundes, Sandy

COTAÇÃO

* * 

REGULAR

Dois de fevereiro: no mar, festa para Iemanjá; na terra, pranto para Eduardo Coutinho

Enquanto os devotos de Iemanjá festejavam a Rainha do Mar, um grande homem de cinema deixava o mundo dos vivos. É até possível que parte das flores, das palmas e do perfume das oferendas tenha embalado a passagem do criador de filmes como “Santo Forte” e “Cabra Marcado pra Morrer”. Mais útil, porém, do que comentar a morte do documentarista Eduardo Coutinho é falar da vida e da importância deste artista, deste operário do gênero que ele re-inventou durante sua carreira – felizmente vitoriosa e merecedora do reconhecimento geral que ele conquistou, por parte do público, dos estudiosos e dos críticos, de todas as tendências. Ele mesmo, aliás, era um teórico – assim como foram os mestres, como Eisenstein, Hitchcock, Rosselini e Humberto Mauro. Coutinho pertencia a esse panteão muito restrito dos realizadores que, além de criar, pensavam o cinema, ou seja, desenvolviam análises e conceitos sobre a sua arte. Como é o caso das suas reflexões sobre as fronteiras entre o documentário, a ficção e a chamada vida real, especialmente em obras seminais como “Jogo de Cena” (foto acima). O trabalho de Eduardo Coutinho colocou esse gênero de filme no centro da atividade cultural brasileira e, por isso, ele entrou para a nossa história. Mas é importante que a multidão de seus seguidores tome os 20 filmes que ele dirigiu como marcos, ou paradigmas, e não como padrões a serem imitados. Que seu método de trabalho seja um exemplo para todos nós, mas que seu estilo não se transforme em maneirismo. Amém...

Lançados em DVD três clássicos japoneses dos anos 40, 50, e 60 sobe o tema dos 47 Ronins.

Um dos mais marcantes filmes lançados nesta semana é o americano "47 Ronins", baseado num episódio de 1701 no Japão, que foi o acontecimento histórico mais emblemático do “bushidô”, ou seja, o código de honra dos samurais, em que destacam valores como coragem e lealdade. Um senhor feudal foi injustamente condenado a cometer o arakiri e, então, 47 de seus samurais resolveram se vingar. Esse incidente está ligado ao aumento do poder centralizador dos xoguns contra os senhores locais e a diminuição do prestígio dos samurais. (ilustração de época acima) 

O acontecimento deu origem a muitos filmes e séries de TV. Agora, junto com a versão hollywoodiana, com Keanu Reeves, que aposta em elementos sobrenaturais da mitologia japonesa, a Versátil lançou uma caixa com três clássicos japoneses sobre o mesmo tema. Apesar de uma estrutura básica comum, as três obras se mostram absolutamente diferentes entre si. 

“A Vingança dos 47 Ronins” (fotos acima), de 1941, filmado durante a 2ª Guerra, tem direção do mestre Kenji Mizoguchi (“Contos da Lua Vaga”) e traz elementos comuns com o neo realismo italiano, que se iniciava naquela mesma época. “Os 47 Ronins”, (foto abaixo) de 1958, foi dirigido por Kunio Watanabe que era um especialista em aventuras de samurais, é mais curto e mais ágil, com um forte apelo ao entretenimento. 

Já “Os Vingadores” (foto abaixo) de Hiroshi Inagaki, com 4 horas de duração, é de 1962 e, curiosamente, tem uma pegada de docudrama (dramatização de fatos históricos) que começou naquele mesmo período, com influência do chamado "cinema verdade", sendo desenvolvido na BBC inglesa por Peter Watkins e, na RAI italiana, por Roberto Rosselini. Como vemos, cada uma dessas três obras reflete as linguagens audiovisuais que se manifestavam no mundo do cinema com um todo, tanto no lado ocidental quanto no Japão. Ao mesmo tempo, permite que se observem melhor as transformações e as permanências dos estilos e das técnicas, como na cenografia, figurinos e interpretação. Ou seja, assisti-las equivale a uma verdadeira aula de cinema.